Centro de Divulgación y Medios
Notas de Prensa

¿Y QUÉ NOMBRE LE PONDREMOS? EL SENTIDO DE UN TÍTULO PARA UNA EXPOSICIÓN ARTÍSTICA, COLECTIVA Y REMOTA EN TIEMPOS DE PANDEMIA.

Por: María José Posada Venegas*

“Quisimos reinterpretar al éter, aquella hipotética materia que llenaba todo el espacio y que era atravesada por todas las manifestaciones energéticas, como el medio en el que actualmente estamos irreparablemente inscritos. Pero hoy es un éter otro. Un espacio por el que ya no corre una realidad continua, sino por el que fluyen y se relacionan unidades discretas, dúctiles y volátiles.”

Tomado de la pantalla del micrositio

Desde el 5 de marzo y hasta el 10 del mismo mes de este año de 2021, se llevó a cabo la XLIII Muestra de Trabajos de Tesis de Grado de la Escuela de Artes Plásticas y Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, con la presentación de las obras de nueve artistas, aspirantes a la obtención de su título universitario.

La muestra fue coordinada por los profesores William Alfonso López Rosas y la profesora Julia Mercedes Angola, el equipo museográfico y curatorial estuvo conformado por Simón Aldana, Edison René Ariza y Paula Orduña, quienes, junto con el Centro de Divulgación y Medios de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, hicieron un muy buen trabajo para lograr que estas obras estén disponibles para la comunidad académica y el público en general.

Conversamos con Simón Aldana y Edison Ariza, y con el profesor William Alfonso López Rosas1 para ahondar en la experiencia de los dos artistas y curadores y en general del montaje de esta segunda muestra de trabajos de grado de la Escuela de Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional, en tiempos de pandemia.

CDM: Simón y Edison, esta es la segunda muestra que presenta trabajos de grado realizados durante la cuarentena por la pandemia. ¿Qué representó para ustedes trabajar en el aislamiento y exhibir virtualmente?

Simón Aldana: Representó plantearse muchas cosas del proyecto. Es raro porque uno no contemplaba una pandemia cuando entró a la Universidad, y siempre ha pensado que una de las posibilidades para los trabajos que hace es desembocar en la muestra con una instalación in situ o colgando unas pinturas. Entonces lo pone a uno a replantearse el proyecto. Algo benéfico es que lo pone a uno a plantearse también el registro de su trabajo, ¿cómo puedo mostrar mi trabajo, si no va a ocurrir desde lo presencial?,¿cómo puedo aproximar a alguien a mi obra? Sobre todo, al final me planteaba la manera en que había registrado mi trabajo y cómo jugar con eso desde internet. También hubo un cambio en la naturaleza del proyecto en mi caso, en términos de que siempre lo pensé con la presencia de otro a pocos metros, no a través de una pantalla, del marco del computador o del celular.

Simón Aldana. Lapsus. Cortesía del autor.

Edison René Ariza: Fue por la pandemia que la construcción de mi trabajo tomó estas características, porque esto tenía al principio la intención de ser un libro hecho en grabado y en impresión múltiple, que tuviera un cuerpo físico de presentación y al final tomó el medio digital como lugar para vivir y existir y me empezó a dar otras posibilidades, diferentes. El profesor Luis Eduardo Garzón me sugería empezar a buscar hacia el videoarte, él lo veía como un libro-arte expandido hacia el campo digital por las opciones que ofrece el hipervínculo para el texto. Así que la obra puede estar dentro del campo de la literatura, de las artes digitales, las artes mixtas, aún es algo que no defino bien.

Edison Ariza. Uan Jorse Pagüer. Cortesía del Autor.

William Alfonso López Rosas: La primera reflexión que es necesario hacer está referida al lugar que tiene la muestra de trabajos de grado dentro del proceso de formación de artistas en la Escuela de Artes Plásticas de la sede Bogotá de la UN. La muestra, como se ha señalado en muchos escenarios, tiene un lugar paradójico, puesto que, en estricto sentido, a partir de la reforma de los planes de estudio de 2008, no hace parte de las actividades curriculares “regulares”. El trabajo de grado desde ese momento se transformó en una asignatura que, de hecho, se denomina así: “Trabajo de grado”. Pero el cuerpo docente vinculado a la Escuela desde esa época llegó a un acuerdo no sólo sobre la necesidad de la insistir en la existencia de esta exhibición pública de las obras o prácticas o hipótesis de trabajo poético de los y las estudiantes de último año de la Carrera, de cara al propio proceso de formación profesional del estudiantado, sino con respecto a la propia trayectoria de la Escuela dentro del campo artístico general.

En este contexto y dentro de las actuales circunstancias “pandémicas”, es importante subrayar que los y las estudiantes han realizado un trabajo de diálogo con las plataformas virtuales, con las plataformas remotas, que ha dependido mucho del grado de sensibilidad que cada uno de ellos y ellas han desarrollado con respecto a estas mediaciones tecnológicas, a estos entornos virtuales. Por otro lado, es necesario señalar que cada uno de ellos y ellas respondió de forma disímil al reto desde sus proyectos poético-plásticos. Entonces hay trabajos que en cierto sentido se han “adaptado” a las plataformas virtuales y hay otros que se han dado en la plataforma, como medio plástico fundamental. Estos procesos, al final, han determinado formas diversas y muy particulares de visualización de cada proyecto; así que las personas que se asomen a la plataforma virtual encontrarán un universo diverso, complejo y pleno de metáforas visuales.

CDM: Hablemos ahora del proyecto de cada uno y de su evolución en el tiempo.

Edison René Ariza: Yo llevo haciendo este trabajo desde el 2017, desde el momento en que decido viajar y empieza a surgir todo este asunto de la creación del personaje, de tomar decisiones frente a mi educación, la escolaridad obligatoria, otras actitudes frente al aprendizaje y emprender el viaje como método de aprendizaje. En 2018 vuelvo a la Universidad y hasta hoy he venido reconstruyendo la historia y en los últimos tres semestres he venido trabajando fuertemente en la construcción de los dibujos y de diferentes partes de la historia, de la cosmogonía de Uan Jorse Pagüer, y, por otro lado, algo que me sugirió William y la maestra Zoitsa, era revisar la historia personal infantil. La creación de lo último que se ve visualmente, me ha tomado los últimos seis meses.

Simón Aldana: Mi proyecto lo había venido trabajando desde el 2018, siempre pensando en otro que iba a estar presente. Con la pandemia tuve que pensar que ese otro no iba a estar como yo lo estaba pensando, entonces vino la duda de cómo descontextualizar lo que ya estaba hecho para recontextualizarlo en una pantalla y si esa operación se vuelve una instrumentalización del trabajo, en la medida en que el sonido se opera mucho desde el tacto. Entonces lo instrumentalizo en términos del sonido a que alguien con un mouse reproduzca los sonidos y se vuelva un instrumento digital. Ahora, la forma en que yo planteo mi trabajo es ¿cómo muestro esto y cómo construyo una figuración, una serie de reflexiones en torno a toda esta exploración con máquinas, que yo he venido haciendo? Y es ahí cuando la presencia del otro intuyo que se vuelve como la de un lector, un oyente, un vidente, un testigo, incluso un cómplice, no como la de un interactor.

Edison René Ariza: A pesar de que la obra plástica se pueda resumir en una pieza, como una pintura o un grabado, hay una gran historia detrás para llegar a construirse. Posiblemente hay textos que están allí escondidos. Yo lo que hago es revelar un poco más, sin decir demasiado, siempre hay un texto más allá de lo que se está viendo, algo más que se oculta tras la obra. Yo exploro el dibujo a través de la narrativa, mi dibujo es más representativo, tiene que ver mucho con la narración y con la historia. Una narración más cruda, no infantil, con influencias del comic de los 90, del comic americano. Una de mis influencias de los 90 es Spawn y también Neil Gaitman, con historias más relacionadas con la ciencia-ficción. Y referencias hacia Sin City, por el uso del blanco y negro y el color puesto en algunos momentos, en donde tiene que ser importante, y en el transcurso del trabajo, con el acompañamiento de la profe Julia Mercedes Angola, este espacio de ilustración que era la pantalla en negro, que era lo que ofrecía la herramienta que hay, y sobre eso se empezó a construir.

Pantallazo de “Uan Jorse Pagüer”, de Edison René Ariza.

Edison Ariza. Uan Jorse Pagüer. Cortesía del Autor.

Simón Aldana: En términos de la realidad de la soledad y la compañía, yo pienso en mi trabajo, muy sinceramente, y puedo tenerlo como al rojo vivo y sin hacer una reflexión de fondo, existe también un ensimismamiento. En términos de “ahora que no puedo salir”, no soy el artista que está en un círculo social, codeándose con gente, sino que soy el artista que más bien se enclaustra en su espacio de trabajo, duerme, se levanta, va a su taller o a su espacio, se enfoca en la construcción de unos aparatos, de unos dispositivos, comienza a improvisar sonoramente, comienza a grabarse tocando esos objetos, y el internet se vuelve el espacio de lo público.

Edison René Ariza: Trabajamos para que el hipervínculo se convirtiera en una forma narrativa, hemos entrado en unos lenguajes visuales propios de la interacción virtual, de la interacción digital. Entonces ¿qué pasa con el cursor cuando pasa por encima de un hipervínculo? que se transforma y ya sabemos que vamos a encontrar otra ruta. Se trata de acercarnos a lenguajes que no son solamente los tradicionales del libro y del texto, sino también el texto como imagen y el hipervínculo como posibilidad. Ahí tenía que ver con las decisiones, a veces el hipervínculo se exagera o llama más la atención para ofrecer una posibilidad más llamativa para ir hacia un camino o hacia otro. Eso tiene que ver con la percepción del espectador, lo que yo digo que puede ser más atractivo tal vez no sea sí, sino que la ruta que tome el espectador tiene que ver con sus propios intereses.

Pantallazo de Uan Jorse Pagüer, de Edison René Ariza.

Pantallazo de “Lapsus”, de Simón Aldana.

CDM: ¿Cómo llegaron a la elección del nombre para la muestra?

Simón Aldana: Pasamos por muchas ideas, desde preguntarnos por el edificio al cual no hemos podido volver, y por estar terminando la carrera seguramente no volveremos como estudiantes de pregrado, y llegamos a esa conclusión – okey, ¿qué es lo que nos está uniendo ahorita como escuela, como estudiantes que haremos una muestra en conjunto? -, y nos decíamos –es muy raro que sea la pantalla, que sea la distancia, que sean estos medios los que nos unen – y llegamos a esta idea del éter. Nos gustó. Yo ahora entiendo que nuestro trabajo con la muestra fue un trabajo también de creación, en términos curatoriales, en términos museográficos. Internet nos permitió crear nuestro espacio para exponer y lo creamos, lo diseñamos, no teníamos un espacio preconcebido, tuvimos que crearlo. El proceso de construir la muestra ocurrió desde la percepción de nuestra situación actual. Comenzamos a jugar con las palabras y todos estábamos armando nuestros trabajos y el éter es ese medio por donde se manifiestan todas las energías, que agrupa todo, es como una totalidad, pero de repente somos como seres dispersos y nos encontramos a través de una pantalla y nos dijimos –esto es un éter alterado- es un éter otro, es un éter que ha perdido su naturaleza.

Simón Aldana: El término es un poco anacrónico e hipotético. En términos de la ciencia como que ya se ha refutado, pero nos gustaba la palabra. Esto que nos une a todos es un éter otro, pero sigue siendo como una masa, como un fluido donde se están manifestando estas energías desde cada uno en su casa, el que ya no está en Bogotá porque es de Pasto, y entonces - ¿cómo creamos ese espacio para sentirnos como grupo, como una cohorte que está exponiendo en conjunto, si ya no tenemos el espacio físico? - Entonces creamos esa casa que iba a albergar nuestros trabajos, pensando en las pantallas, en Internet, pensando ¿qué pasó con nuestros trabajos, ¿cómo se conectan si no están en un mismo espacio físico? Y por ahí fue la cosa.

CDM: Una de las características particulares de la muestra en general y del trabajo de ustedes dos en particular, es la necesidad de que el otro, el espectador, el visitante, el lector, cuenten con la tecnología apropiada para acceder a las plataformas. ¿Pensaron en las posibles contingencias que se le podrían presentar a quien accediera a través de un equipo lento para cargar video, con mala calidad de sonido o resolución de video, con una conexión a Internet deficiente?

Simón Aldana: Tenemos que ser muy abiertos a estas contingencias del trabajo, que también ocurren en lo presencial. En términos de sonido y por la naturaleza de mi trabajo prefiero que lo vean en alta calidad, ese sería el escenario ideal, pero lo que es interesante es llegar de distintas maneras a cada persona. Esos sonidos que tal vez con un buen equipo me permiten detectar todas las frecuencias, cuando llega el otro y no tiene audífonos, pues está experimentando ese trabajo de una forma particular que a mí me interroga bastante, qué interesante que la obra de arte o que los proyectos artísticos hoy en día dependan del hardware, del software de la otra persona y que la obra de arte se experimente con base a lo que cada quien tenga. Ya no es solo lo que el artista propone sino de lo que dispongo para apreciar la obra de arte. A mí me interesa el error, me interesan las contingencias, me interesa lo que se me escapa de las manos, así que lo veo como una potencia más que como una falencia. La obra termina siendo más interesante entre más abierta es, si el artista es muy autoritario con su trabajo, -es que esto es esto y sólo se puede ver de esta forma- la obra termina siendo un universo muy chiquito.

Edison René Ariza: Hay un campo intermedio entre la imagen estática y el video, que tienen temporalidades diferentes y el espectador está participando de forma más activa o más pasiva y los tiempos que se han trabajado en la obra han sido dejar que cada quien decida cuánto tiempo quiere estar en una imagen, cuánto tiempo le toma leer. Aprovechando el gift y la imagen animada habíamos condicionado el tiempo en que estaban las personas en cada página, se trabajó cada vez más en eso, la interacción del espectador y el tiempo que cada quien se pueda tomar en explorar.

CDM: Sus trabajos están colgados en la página web de la Facultad, lo que permite que el público acceda no sólo a ellos sino a la sustentación de la tesis para obtener el título. Así que lo que antes era para un público reducido, ahora es para uno ilimitado. ¿Qué les aporta eso?

Edison René Ariza: Además de la plataforma, mi trabajo lo he compartido con unos compañeros con los que trabajo en una biblioteca en Fontibón y con una compañera con la que trabajo en Ciudad Bolívar, ella es maestra de niños de segundo grado de primaria, con quien empezamos a construir el personaje en algún momento, que hubo una interacción que habla de los desechos tóxicos en la periferia de la ciudad y eso empezó a gestarse desde Pasquillita, el sitio donde ella trabaja. Estamos viendo la forma de construir un mecanismo para compartirlo con los niños y tener su retroalimentación.

Simón Aldana: Yo he encontrado cometarios bastante positivos frente a la página de la Muestra y específicamente frente a mi trabajo, en términos de la comodidad. Sienten que pueden compartirla. Lo interesante de Internet es que la obra se riega, se comparte en redes sociales, se comparte por el chat e WhatsApp, -mira el trabajo de éste-, y se va regando y llega a un punto en donde uno ya no sabe dónde está la obra. En mi caso yo puedo mirar en que países se ha visto y hay países que yo digo - ¿cómo por qué la están viendo ahí?, ¿qué tengo yo que ver con Panamá para que alguien la vea allá? - Eso es interesante, que la obra comienza a hacer parte de un archivo de la Universidad, en términos de que no dura una semana expuesta, sino que queda ahí, en la página. Ya no es el momento en que se constituye ante el público, sino que además se configura como un archivo. La muestra de trabajos de grado termina siendo una plataforma, un dispositivo desde donde no solamente la Escuela se muestra ante la Universidad o ante otras universidades, sino desde también nosotros como estudiantes nos lanzamos al mundo.

CDM: Más sobre Éter Alterado en: http://artes.bogota.unal.edu.co/assets/eter-alterado/docs/eter-alterado.pdf y en https://www.youtube.com/watch?v=EImPjwY_xzw

1. Doctor en la Línea de Historia del Arte del Doctorado en Arte y Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia. En la actualidad es profesor del Instituto de Investigaciones Estéticas y director de la Maestría en Museología y Gestión del Patrimonio Cultural de esta misma casa de estudios.

* Comunicadora Social y periodista. Guionista de TV y escritora